jueves, 23 de agosto de 2018

Celebramos el legado Gustavo Cerati

Celebramos el legado Gustavo Cerati: 59 años después de su nacimiento

Hoy estaría cumpliendo 59 años el genio de la música, el que nos regaló un extenso y maravilloso capítulo en la historia del rock en español
Contar la vida de Gustavo Adrián Cerati en un artículo es imposible, no en vano se han realizado varios libros que cuentan apartes de su vida, de su carrera musical y del grandioso legado que le dejó al rock en español. Repasamos algunos de los acontecimientos más importantes ¡acompáñennos!
Continente: América. Ciudad: Buenos Aires. País: Argentina. Barrio: Barracas. Fecha: 11 de agosto de 1959. Ese día nació el primogénito del ingeniero y contador Juan José Cerati Lilian Clark, al bebé lo llamaron Gustavo Adrián Cerati.
La música siempre estuvo presente en su vida, cuando estaba en primaria fue el estudiante más destacado de un grupo de palos de escoba. La palabra artista siempre corrió por sus venas, a parte de ser amante de los sonidos, le encantaba dibujar, de hecho hizo su propio cómic llamado Supercerebro, claro está inspirado en Superman.
A parte de su vena artística Cerati siempre se destacó por su buen rendimiento en los deportes, practicó natación y atletismo, y luego de correr 100 metros en una competencia intercolegial, ocupó el segundo puesto en un concurso que realizó la revista Billiken.
Siempre se destacó por ser un gran líder, en sus primeros años de colegio en el Instituto San Roque, dirigía el coro de la institución y también el de la iglesia. Con tan solo doce años conformó un trío que tocaba en fiestas particulares, los eventos del colegio y cualquier acontecimiento en el que pudieran demostrar su talento.
Antes de dedicarse por completo a la música, en su adolescencia Ceratitrabajó como visitador médico y después tuvo que cumplir con el servicio militar argentino.
Cuando estaba en secundaria una vez ganó un concurso en un canal de televisión (Canal 9), con un grupo que tenía en esa época, hizo una canción navideña y fue escogida como ganadora. Cerati era como una ‘máquina’ de hacer bandas, al mismo tiempo conformó Savage y Vozarrón, y luego un trío llamado Triciclo.
A sus 20 años estaba estudiando publicidad en la Universidad de El Salvador, en ese lugar tuvo como compañero de carrera a Héctor ‘Zeta’ Bosio, y junto a otros estudiantes fueron unidos por el poder de la música, intercambiaban discos de The Police, XTC, Elvis Costello, entre otros.
Era 1982 y había una banda llamada The Morgan, que estaba integrada por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Sandra Baylac, se inspiraban principalmente en The Police y The Cure, así que podemos definirlo como un grupo de punk rock. En ese mismo año Cerati conformó otra agrupación llamada Stress, que también tenía a Sandra Baylac y a Zeta Bosio, pero esta vez acompañados de Pablo Guadalupe, Alejandro O’Donell y Carlos Amato. ¡Ah! y un tiempo después el mismísimo Andrés Calamaro fue tecladista de Stress.

¿Y Soda Stereo?

Para ese entonces también existió una banda llamada Los Estereotipos, proyecto que se formó cuando conocieron a Charly Alberti, en su alineación tuvieron a Richard Coleman y a Daniel Melero (quien compuso Trátame Suavemente), pero finalmente se quedaron como un trío conformado por Gustavo Cerati como vocalista y guitarrista, Zeta Bosio en el bajo y en los coros y Charly Alberti con el poder de las baquetas en la batería, y es en ese momento en el que se forma Soda Stereo.
Luego de haber conformado y tocado en tantas agrupaciones, Cerati sabía que Soda Stereo tenía algo especial, junto a un compañero de la universidad llamado Alfredo Lois desde el inicio del grupo fueron muy cuidadosos con la imagen, desde el maquillaje, el peinado y todos los detalles estéticos.
1983 fue el año en el que el mundo vio por primera vez tocar a Soda Stereo, bueno una parte del mundo, porque sus primeros toques fueron en discotecas como Airport Stud Free Pub, luego empezaron a tocar en diferentes pubs (un gran avance ¿no?).
De ahí en adelante el resto es historia y vaya que es una gran historia, pero repasemos la música que Gustavo Cerati hizo junto a Soda Stereo y en solitario:
Fueron siete los discos de estudio que grabó Soda Stero: Soda Stereo(1984), Nada personal (1985), Signos (1986), Doble Vida (1988), Canción animal (1990), Dynamo (1992) y Sueño Stereo (1995).
Y como solista hizo Amor Amarillo (1993), Bocanada (1999), Siempre es hoy(2002), Ahí vamos (2006) y Fuerza natural (2009).
Y no crean que olvidamos mencionar la incónica gira Me Verás Volver, pues  2007 el ‘sueño stereo' de muchos se hizo realidad, y Soda Stereo regresó a los escenarios con una gira de 22 fechas por países como Buenos Aires, Chile, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, México, Panamá, Perú, yVenezuela. Gira que rompió un récord, pues por primera vez una banda en Argentina vendió 90.000 boletas para un show en menos de 24 horas.
Lamentablemente el 15 de mayo de 2010, luego de su presentación en Caracas, Venezuela, en medio de la gira de su último disco Fuerza Natural (2009), Cerati tuvo que ser internado debido a un accidente cerebrovascular. Luego de pasar cuatro años en coma, el 4 de septiembre de 2014 el artista le dio el adiós al mundo terrenal para siempre, pero su música y su legado permanecerán inmortales.

Para no olvidar...

1. Entre las principales influencias de Cerati se encuentran The Police, Queen, David Bowie, Luis Alberto Spinetta, Deep Purple, entre otras. 
2. Mientras estaba en Soda Stereo, Cerati participó como guitarrista y corista en la banda Fricción, liderada por Richard Coleman, y produjo los álbumes Consumación o consumo (1986) y Para terminar (1985).
3. Charly García llamó a Cerati en 1988 para que grabar un álbum juntos, que se llamaría Tango 3, aún no se sabe por qué no se dio, pero Ceratiparticipó en la canción Tango 4 hecha por Charly y Pedro Aznar.
4. Cerati participó en un proyecto electrónico llamado Plan V con el cual hicieron dos discos Plan V (1996) y Plan Black V Dog (1998).
5. Por medio de un comunicado de prensa el 1 de mayo de 1997 Soda Stereoanunció oficialmente su separación.
No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias... totales!”.
Con palabras de Gustavo Cerati queremos que nos cuenten ¿cuál es su canción favorita de Gustavo Cerati y de Soda Stereo?

lunes, 13 de agosto de 2018

Metallica- Black album (Full album)

Metallica - Master Of Puppets [Full Album]

A 27 AÑOS DEL ‘BLACK ALBUM’, EL PUNTO SIN RETORNO PARA METALLICA





se convirtió en un fenómeno mundial hace 27 años, sin embargo, perdió la admiración y el respeto de algunos sectores de la llamada comunidad del metal. El álbum homónimo de la banda, mejor conocido como Black Album, representó un punto sin retorno para los músicos.

James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammeth y Cliff Burton se erigieron como los dioses del indomable thrash metal; producciones como Master of Puppets Ride the Lightning son el registro de la increible calidad técnica y lírica que alcanzó el grupo durante los años 80.

Tras la muerte del bajista Cliff Burton en 1986, la producción del complejo álbum And Justice for All en 1988 y con la llegada de una nueva década, Metallica decidió probar un estilo nuevo para hacer frente a la ola del grunge y el rock alternativo.
Con 10 años de carrera a cuestas y un puesto entre las cinco bandas más importantes en la historia del metal, Metallica abandonó la competencia por ser más rápido y agresivo que sus contemporáneos, es decir, Megadeth, Slayer y Anthrax.
En pocas palabras, Hetfield y Ulrich (las cabezas de la banda) se deshicieron del elemento punk, introducido años atrás por Motörhead, y se quedaron con las bases creadas por Black Sabbath. Sin embargo, al mismo tiempo se asociaron con un productor más enfocado al área comercial.
Para su quinto álbum de estudio, Metallica contrató a Bob Rock, un productor que había trabajado previamente con artistas de hard rock y glam metal como Mötley Crüe, Bon Jovi, Aerosmith, David Lee Roth y Skid Row, entre otros.
La diferencia entre la música de Metallica y Mötley Crüe era abismal; en todos los sentidos. Sin embargo, Hetfield y Ulrich admiraban el sonido vivido que Rock había conseguido en el disco Dr. Felgood. Un material con la calidad de estudio, pero con la energía de un show en vivo.

 El productor sometió a la banda a nuevos estilos y formas de grabación, también intervino en la composición de las letras. Por obvias razones, el proceso estuvo repleto de pelas entre Rock y Metallica. El estrés provocó que Hetfield, Ulrich y el bajista Jason Newsted se divorciaran de sus respectivas esposas.
El resultado fue un disco sin la velocidad característica de sus antecesores, sin embargo, mostró riffs más pesados y marcados, aunque también baladas y letras muy cercanas a la estructura de los clásicos jingles musicales; fáciles de cantar y recordar.
Los fanáticos más ortodoxos del metal no perdonaron que Metallica hubiese cambiado radicalmente su estilo, por lo que más de uno los acusó de venderse a MTV, las radios comerciales y todo aquello cercano al gran público.
Por otra parte, Black Album se convirtió el disco más vendido en la historia de Metallica; de hecho, es el único que ha conseguido la certificación diamante por la venta de 10 millones de copias. Este trabajo catapultó al grupo a las grandes ligas de la industria musical.
El disco aportó algunas de las piezas que hoy son inamovibles en el repertorio de la banda. Enter SadmanSad but TrueNothing Else Matters Unforgiven se convirtieron automáticamente en clásicos.
Otras piezas que obtuvieron gran reconocimiento de la crítica fueron Wherever I May RoamOf Wolf And ManThe God Failed y Holier Than Thou.
A partir de la publicación de este disco, Metallica no volvió más a lo mostrado durante los años 80. De hecho comenzó a volverse mucho más convencional en sus siguientes trabajos, LoadReLoad y el criticado St. Anger.
Tras el duro proceso de grabación del Black Album, Metallica y Rock prometieron no volver a trabajar juntos. Sin embargo, el productor trabajó con ellos hasta el año 2003, es decir, durante la etapa más criticada de la banda.
La gran virtud de este disco es que sigue funcionando como la perfecta puerta de entrada para los jóvenes que quieren adentrarse en el mundo del metal.
Sin duda alguna, Black Album fue el punto sin retorno para Metallica.

32 AÑOS DEL MASTER OF PEPPETS


Metallica sacudió al mundo de la música hace 32 años con una obra cargada de complejos pasajes musicales, letras profundas e historias sobre las fuerzas que manejan desde la oscuridad los hilos de la humanidad; Master of Puppets fue el álbum que lo cambió todo.
La década de los 80 estaba dominada por bandas de hair metal, ese género musical en que la apariencia era más importante que la música; sus letras eran vacías y repetitivas, la mayoría hablaba de mujeres sexys, hoteles de lujo, fiestas alocadas, desnudistas, automóviles y sexo… mucho sexo.
El estreno del tercer álbum de Metallica, el 3 de marzo de 1986, representó la consolidación del thrash metal, un género con pocos años de vida, nacido en los Estados Unidos como una respuesta a la escena musical dominante de aquellos años.
James Hetfield, Lars Ulrich, Cliff Burton y Kirk Hammett ya se habían hecho de un importante nombre en la escena del metal con el salvaje Kill ‘Em All y un trabajo más refinado como Ride The Lightning, sin embargo, les faltaba un disco que los inmortalizara en la cúspide del metal.
En Master of Puppets, Metallica demostró que había alcanzado la madurez suficiente para desacelerar algunas secciones; la banda sacrificó un poco de velocidad, pero a cambio obtuvo riffs pesados y cargados de oscuridad, así como solos de guitarra más elaborados, incluso melódicos.
Basta con escuchar los primeros segundos de Battery; la pieza que abre el álbum comienza con un par de ominosas guitarras acústicas que muestran el inicio de un oscuro camino lleno de ira, decadencia social, violencia y el sentimiento de impotencia ante las fuerzas que dominan al mundo.
El álbum aborda historias sobre el control, por ejemplo, en Master of Puppets, la segunda canción del disco, la banda realiza una crítica a las drogas y cómo éstas terminan por dominar la vida de los adictos, quienes pierden la voluntad y sus propios deseos.
Además de una letra poderosa, esta canción muestra el grado de sofisticación musical que había alcanzado la banda. La pieza inicia de forma violenta y veloz, pero a los pocos minutos disminuye la velocidad para introducir un solo melódico; una dilación que funciona como puente previo al clímax.
La siguiente en la lista es The Thing That Should Not Be, una canción inspirada es los relatos de H.P. Lovecraft, la cual sacrifica por completo la velocidad para ofrecer la composición más pesada y lenta de todo el Master of Puppets.
Welcome Home Sanitarium, la cuarta pista del álbum y considerada como una balada de thrash metal, contiene complejos pasajes melódico que progresivamente se vuelven más violentos; una representación de la creciente locura de los pacientes encerrados en manicomios.  
Sin embargo, el álbum también tiene pistas llenas de velocidad, por ejemplo, Disposable Heroes, una pieza que en cada nota emula la violencia del campo de batalla; la letra es una crítica a los ricos y poderosos que utilizan a los jóvenes como carne de cañón para pelear en sus guerras.
Por aquellos años, Metallica no producía canciones, más bien contaba historias, por ejemplo la pieza Leper Messiah, la cual relata la existencia de un mesías enfermo de lepra; no es una crítica a Dios, sino un ataque contra aquellas personas que utilizan la fe para aprovecharse de los más débiles.
Mención aparte merece Orion, la única pieza plenamente instrumental del álbum, se trata de una composición liderada por el bajo de Cliff Burton, el único miembro de la banda con verdadera formación musical y conocimiento de la armonía, melodía y ritmo.
En Orion, Burton mostró toda su habilidad con el instrumento, la misma que lo llevó a ser considerado uno de los mejores bajistas de todos los tiempos; la pieza funciona también como epitafio, pues el músico falleció trágicamente durante la gira promocional del álbum.
Para el cierre, Metallica vuelve por completo a la velocidad frenética de su primer disco con Damage, Inc., la pieza más veloz y agresiva de todo el disco, la cual aborda la problemática de la violencia y destrucción sin sentido.
No es casualidad que este álbum sea considerado por varios especialistas y fanáticos como el mejor trabajo de Metallica por su sinceridad lírica y musical, incluso hay quienes lo han considerado como el trabajo más destacado en la historia del metal.
A contracorriente de la tendencia, Metallica no lanzó un solo video para que fuera repetido hasta el cansancio en MTV, sino que se enfrascó en una larga gira promocional;  aun así logró el primer disco de platino, no sólo para la banda, sino de todo el thrash metal.
Curiosamente, los fanáticos más ortodoxos del thrash criticaron a Metallica por bajar las revoluciones en Master of Puppets, estos seguidores se decantaron en mayor medida por el brutal y veloz álbum de Slayer, Reign in Blood, el cual fue estrenado el mismo año.   
Este álbum también es el responsable del porqué algunas personas detestan al Metallica actual, pues habiendo alcanzado un grado de sofisticación tan alto, años después se convirtieron en una banda más convencional con destellos ocasionales de sus viejas glorias.
Otros más señalan que la fuerza de Metallica terminó el día que Burton, el verdadero cerebro del grupo, perdió la vida en aquel accidente en la carretera. El siguiente disco de Metallica fue también muy elogiado por la crítica, pues el bajista había dejado material suficiente.
De cualquier manera, este disco colocó a Metallica como la banda más sobresaliente del thrash, al mismo tiempo que la ubicó en lo más alto de la historia del metal, junto con bandas como Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest y Motörhead; Master of Puppets fue el álbum que lo cambió todo.